read the first part of this opinion here: Creating Intentionally Destroyed Garments
read the french version of this article here
From a ‘Western’ beauty perspective, creating and then deliberately damaging something is somewhat unsettling. Perhaps even more paradoxical for many of us is covering a body with an intentionally destroyed garment. Most of us want our clothes to be practical and protective. If we buy something that is already torn, we may lose some or all of those practical qualities.
Recently, my beloved Grandpa asked me if I would like him to fix the ripped jeans I had on (imagine a pair of non-luxury torn jeans). It was very frustrating to be unable to make him understand why people buy such pieces. I tried to explain, vaguely, that clothes are worn for their practical dimensions as well as their immaterial ornamental function1. He was unconvinced. What would my grandfather say if he knew that people were paying three-figure sums for torn T-shirts from some of the highest and most exclusive fashion brands? What would he say if he knew that these rags were considered desirable luxury items? I had to understand before he could ask me.
July had already begun and summer was late arriving in Paris. It was a Wednesday night and I was leaving the city for good on Saturday. I decided to treat my grandfather’s (potential) question as a pre-departure priority. Luckily, I had some good friends who were wearing luxurious, deliberately destroyed clothes. The five of us – Aimé, Romain, Yus, Fisher and myself, Camille – managed to squeeze into a tiny Thai restaurant. A friendly waitress with incredibly long fingernails greeted us. Ordering our pad Thai crevettes, I asked everyone why they would buy a luxury product deliberately destroyed. Opinions were divided.
‘Personally, I wear it because I love it,’ began Fisher.
‘It has a lot to do with the social status of the brand,’ Romain followed.
I turned to Yus. ‘I’m more of a fan of clothes that fade over time and age with you, rather than clothes that have been damaged,’ he explained. ‘A bit like Japanese jeans.’
‘What about you, Aimé?’ I asked. ‘Why would you wear clothes that have been deliberately destroyed?’
‘I don’t pay too much attention to whether it’s trendy or not. I’m more concerned with whether it looks interesting. In terms of design, it’s much more complicated to make a finish that looks worn than it is to make a garment that looks like new,’ he explained.
The fashion designer had spoken. Aimé is currently concentrating on developing a newborn fashion label after spending the last few years working for Koché, Vaillant and Isabel Marant. All four of my friends are more or less aficionados of fashion. For instance, Fisher is growing the fashion brand MICS, which he created with his girlfriend. Another common interest to them is music (Fisher is crazy about Playboi Carti and Romain knows all Kanye’s songs). They draw some of their fashion inspiration from this area – and many others. For example, Romain loves luxury objects in general : cigars, perfumes, cars, etc. For him, the brand is both a sign of wealth – ‘to show that you can afford it’ – and an ‘intellectual’ factor. ‘If you have the references, you’re part of the community,’ he said. In other words: if you know, you know. Yus is more of an observer and introvert. He loves art – Rothko is one of his favourite painters. For him, wearing deliberately destroyed clothes has less to do with brand and social status than with the poetic passage of time on the object, as seen in the work of Margiela, Kawakubo and Yamamoto.
The beauty of diversity is that the five of us have different reasons for wearing a garment with a particular aesthetic, even though we are part of a close circle with similar references.
We stopped talking for a bit as our plates arrived.
I brought up the subject again, wondering if they didn’t feel that, by buying torn clothes, they were losing a part of their lifespan. My question was perhaps a little naïve, but I had to be prepared for all sorts of grandfatherly objections. After all, for a man who had served in the army, worked as a manual labourer and suffered from a lack of financial means, clothes had to be comfortable and protective first and foremost.
According to Aimé, if the brand gets the destroyed effect right, the garment shouldn’t break. It will wear out over time, but “fake rips shouldn’t deteriorate any faster,” he explained. So buying deliberately damaged products from a luxury house can ensure a certain durability, thanks to the expected level of quality.
It makes sense in certain cases, where the disruptive effect is achieved thanks to an innovative assembly savoir-faire. For instance, a special embroidery technique was developed to create the distressed effect on the Balenciaga Beaded Gown from Look 21 of the 53rd Couture Collection2. In other cases, however, and from what I have heard from Balenciaga teams, the designers achieve the destructive effects by actually damaging the garment. They use pumice stones, scissors, fire, paint and needles, among other torture devices. Are we sure that the garment is as durable as before it underwent these processes?
DESTROYED LONG DRESS IN BLACK KNIT, EMBROIDERED WITH BLACK UPCYCLED BEADS HAND PAINTED NUMBER CARD WALLET IN BLACK CALF OR WHITE GOAT LEATHER RAVEN BOOT IN BLACK TIGHTS
Talking about the feeling of having lost a bit of the garment’s life potential, Yus continued:
‘I think it’s like buying a new product that has already reached the level of maturity that I want to reach by wearing it. It’s mature.’ Visually speaking, of course.
Romain jumped in. ‘I agree! It’s about saving time. Before, there might have been only raw jeans, but then they decided to offer “worn” jeans.’
The deliberate destruction of a garment – luxury or otherwise – is a way of opening up creative possibilities. It ‘fakes’ the passage of time, as if your torn T-shirt had lived several lives before jumping onto your shoulders. But as a new item, these several lives are just the lie of its appearance.
The distressed aesthetic goes against the general idea of beauty (which often confuses attractiveness with symmetry and neatness), against the conventions of luxury. It plays with the wearer’s appearance and the image they project. But even if this trend is a matter of carelessness, it should be done by ‘finding the right balance,’ as Yus explained. Fisher agreed. He went on to criticise some brands for exaggerating the destructive effect. Paradoxe Paris, for example, ‘has gone to an extreme where it is disgusting.’ The destroyed pieces of Vêtements ‘are dead’ and the Balenciaga Paris Destroyed Sneakers ‘are just for communication’. ‘They are made to shock,’ he argued. Aimé confirmed this, adding that people only buy them to ‘show off’.
Looking like you don’t care seems to be a precision science. And more than a visual balance, there have to be destructive techniques that you can tell around. ‘When you tell the story of your product, people think “oh yeah, that’s cool”,’ Fisher added.
Buying the intentionally luxury destroyed pieces, makes you still part of the very exclusive community able to pay for a luxury garment. However, by choosing these pieces that are not aesthetically traditional to the luxury scene, you ‘differentiate and distance’ yourself, as Yus explained, from the whole values associated with the typical luxury client, ‘the shitty bobos’, Fisher called them.
Destroyed luxury fashion is on the one hand a sign of wealth (thanks to the prestigious high-end brand’s label). On the other hand, it is a sign of insouciance to spend so much money on something that may be less protective, less comfortable and/or less durable. Paying so much to look pitiful becomes a privilege. The privilege of making being dirty and needy a choice rather than a burden. The privilege of being unconcerned that your image and social status may be in question (until your pears have validated this aesthetic).The privilege of fooling people, of traveling through the different social classes, of playing with commonly established signals. A little reminiscent of Belleza and Berger’s trickle-round theory3.
‘If they don’t tell you you’re a bum, it’s because you’re badly dressed. You need to be told you look like a bum so you can say, “Brother, that’s Balenciaga!”’ Fisher exclaimed. And he mentioned Beenslackin, the toothless fashion influencer who uses New York’s homeless population as a fashion inspiration4.
‘It’s easy to be attractive. But that was a moment where I’m like, nah. I gotta even go crazier. Like keep going uglier.’ Beenslackin told The NY Times5.
‘This guy sprinkles ash on his Balenciaga [sneakers], man!’ Fisher almost shouted. ‘It’s a bit like Gainsbourg burning the 500-franc bill,’ he added.
The waitress interrupted us to take out our empty plates. Rue Daguerre was now lit by nothing but restaurants and glacier lights. Night had fallen.
Putting myself in my dubious grandfather’s shoes, I then wanted to know if they would wear an unintentionally destroyed garment. Yus has few faded T-shirts that he liked to wear. He doesn’t throw them away and it drives his mum crazy. Romain asked if he could keep a random T-shirt with holes. For Yus, what matters is where the hole is and how the result looks like. He replied, looking at Romain: “Back to the jeans. They had a natural hole. I deliberately accentuated it so that I could wear them. Otherwise, I wouldn’t have worn them if there was just a small hole”. This returns to the idea of the need for harmony within the chaotic design.
On the contrary, Romain felt that he could only wear it “if the original intention was to wear it that way”. He trusts the creative process as long as the design “fits in with [his] style and that of the people in [his] group. And that communicates in a way that resembles [his] lifestyle”. Does it mean that if we – or the group we want to be part of – like a particular brand, we may be more likely to trust the creative process?
There has been a lot of talk about the community that this trend is creating. I wanted to know more. ‘Destroyed clothes today mean I’m a fashionista (a fashion in French slang), and when it’s no longer fashionable, they [the fashion] will find something else,’ Fisher remarked. Who are these people who define what is fashionable? ‘People who consider themselves as trendsetters,’ replied Yus. I asked if this was a self-defined position. Yes, according to him. For Aimé, the ‘fashion’ Fisher was referring to, are a whole community with specific tastes in music, art, interior design, and more. They strengthen their group and stand out by constantly accepting and rejecting things, tastes and people.
‘The problem is that this trend will be eaten up by fast fashion brands. It’s going to disgust everyone who’s currently wearing it,” grumbled Fisher. Ignoring the waitress who handed him the credit card reader, he continued: “They killed a sneaker like this : the McQueen was a niche shoe worn by people who were really into fashion. And from one day to the next, reality TV guys started wearing them. It killed the piece!”
This brings us back to Simmel’s imitation/distinction theory6. When a community sees its signs taken by intruders, it tends to find something else to distinguish itself. It also works vice versa: disassociate from an existing community and its values, tastes and images by avoiding copying its fashion.
‘Let’s say tomorrow Jaquemus makes a beautiful piece and there’s a Jaquemus label on it, I don’t buy it! I don’t want to be associated with people who wear Jaquemus.’ Fisher concluded.
More than the design of the piece and the precise aesthetic balance between not ripped enough and too destroyed, the brand culture is essential. ‘The brand has to be elitist and niche,’ Romain said. Who are the celebrities who wear the brand? What are the brand’s values? What is the brand’s position in our society? All of this will contribute to making someone want to wear a brand.
I left Paris three days later with something of an answer. From rebellious punk to effortless outsider grunge, from Japanese concepts of Wabi and Sabi to deconstructed Margiela fashion, ripped and torn clothing has been charged with many messages over time. Even though many might say ‘I could do that by myself’, the chaotic design of Destroy Fashion is a meticulous work. Buying luxury clothing with this unconventional aesthetic is sharing these messages of outsider, rebel, je m’en foutiste. Additionally, it offers everything that luxury can – potentially good quality, a recognized and status-enhancing brand culture, and access to a more or less closed community. As a result, not only is the design of the garment important, but the brand behind it is an essential part of the purchase decision. Others, however, celebrate the melancholy and reassuring passage of time by wearing clothes that have been unintentionally torn by time.
Unlike Cobain’s thrift-store wardrobe, buying an intentionally destroyed luxury item is not a rejection of fashion, but an acceptance of the whole fashion system. Since the whole trick of destroying luxury fashion is to confuse people about their social position in that same society, it is not even a rejection of society.
The codes associated with luxury, the destroy aesthetic and the values associated with the brand combine to convey a complex and ambiguous message about the wearer. Above all, it is a statement about our image-centric society. Everything becomes a visual tool to communicate ideas about self: personal values, financial and intellectual capital, social status, etc. But deciphering the message sent, as with any communication, depends on the understanding of the receiver. My torn jeans also send a message to my grandfather. What he gets out of them may not be what I wanted to communicate. But is my old man the kind of faddist I want to appeal to? I am not sure.
s’habiller avec du luxe abîmé
lire la première partie de cette opinion ici : Creating Intentionally Destroyed Garments
D’un point de vue “occidental” de la beauté, créer puis délibérément abîmer quelque chose a quelque chose de troublant. Peut-être encore plus paradoxal, pour beaucoup d’entre nous, est de recouvrir un corps avec un vêtement volontairement usé. Nous attendons, en général, de nos vêtements qu’ils soient pratiques et protecteurs. Il nous semble, en général également, que nous perdons une partie ou la totalité de ces qualités si nous achetons une pièce déjà déchirée.
Récemment, mon cher grand-père m’a demandé s’il devait recoudre le jean troué que je portais (imaginez un jean lambda déchiré au genou). Malgré toute ma bonne volonté, il m’a été impossible de lui faire comprendre pourquoi des gens achètent ce genre de pièces. J’ai vaguement tenté d’expliquer que les vêtements servent autant pour leurs dimensions pratiques que pour leur fonction immatérielle et ornementale1, mais il n’a pas été convaincu. Que dirait-il s’il savait que des personnes paient des sommes à trois chiffres pour des T-shirts déchirés provenant des maisons de luxe les plus prestigieuses ? Que dirait-il s’il savait que ces “haillons” sont considérés comme des objets de luxe désirables ? Avant qu’il ne me pose la question, je devais comprendre.
Juillet avait déjà commencé et l’été se faisait attendre à Paris. C’était un mercredi soir et je quittais la ville pour de bon le samedi. J’ai décidé de traiter la question (potentielle) de mon grand-père comme une priorité de départ. Heureusement, j’avais des amis proches qui portaient justement des vêtements de luxe volontairement usés.
Nous étions cinq – Aimé, Romain, Yus, Fisher et moi, Camille – à nous serrer dans un minuscule restaurant thaï, accueillis par une serveuse sympathique, dotée d’ongles incroyablement longs. En commandant nos pad thaï aux crevettes, je demande à chacun pourquoi il achèterait un produit de luxe “pré-abîmé”. Les avis divergent.
« Personnellement, je le porte parce que j’adore ça », commence Fisher.
« Ça a beaucoup à voir avec le statut social de la marque », enchaîne Romain.
Je me tourne vers Yus. « Je suis plutôt fan de vêtements qui se patinent avec le temps et vieillissent avec toi, plutôt que de vêtements déjà abîmés », explique-t-il. « Un peu comme les jeans japonais. »
« Et toi, Aimé ? Pourquoi porterais-tu des vêtements volontairement abîmés ? »
« Je ne me préoccupe pas trop de savoir si c’est tendance ou non. Je regarde si c’est intéressant. En termes de design, c’est beaucoup plus compliqué de donner un fini usé qu’un aspect neuf », explique-t-il.
Le designer a parlé. Aimé se concentre actuellement sur le lancement de sa propre marque après avoir travaillé pour Koché, Vaillant et Isabel Marant. Tous sont plus ou moins des aficionados de “mode”. Fisher par exemple, développe sa marque MICS, créée avec sa petite amie. Autre intérêt commun à eux quatre : la musique (Fisher est obsédé par Playboi Carti et Romain connaît tous les sons de Kanye). Ils puisent une partie de leur inspiration dans la sphère musicale – et ailleurs. Romain par exemple, apprécie les produits de luxe quels qu’ils soient : cigares, parfums, voitures, etc. Pour lui, la marque est à la fois un signe de richesse – « montrer que tu peux te le permettre » – et un facteur « intellectuel ». « Si tu as les références, tu fais partie de la communauté », dit-il. En d’autres termes : if you know, you know. Yus est plus observateur et introverti. Il aime l’art – Rothko est l’un de ses peintres favoris. Pour lui, porter des vêtements volontairement détruits relève moins de la marque et du statut social que de la poésie du temps qui passe sur l’objet, comme chez Margiela, Kawakubo ou Yamamoto.
La beauté de la diversité, c’est que nous avons tous cinq des raisons différentes de porter un vêtement avec cette esthétique, même en appartenant à un cercle proche avec des références communes. Nous cessons de parler un instant, le temps que nos plats arrivent.
Je relance le sujet : n’ont-ils pas l’impression qu’en achetant des vêtements déchirés, ils perdent une partie de la durée de vie ? Ma question est peut-être naïve, mais je dois me préparer à toutes les objections « grand-paternelles ». Après tout, pour un homme ayant servi dans l’armée, travaillé comme ouvrier et connu le manque d’argent, les vêtements devaient avant tout être confortables et protecteurs.
Selon Aimé, si la marque réussit son effet de destruction, le vêtement ne devrait pas casser. Il s’usera avec le temps, mais « les déchirures artificielles ne devraient pas se détériorer plus vite », explique-t-il. Acheter des pièces volontairement usées d’un label de luxe peut donc garantir une certaine durabilité, grâce au niveau de qualité attendu.
Cela fait sens dans certains cas, où l’effet détérioré est obtenu grâce à un savoir-faire innovant d’assemblage. Par exemple, une technique de broderie spéciale a été développée pour créer l’effet usé sur la Balenciaga Beaded Gown du Look 21 de la 53e collection Couture¹. Dans d’autres cas, d’après ce que j’ai entendu des équipes de Balenciaga, les designers abîment réellement le vêtement en utilisant pierres ponces, ciseaux, feu, peinture et aiguilles, entre autres instruments de torture. Peut-on être sûrs que le vêtement est aussi durable qu’avant ces procédés ?
ROBE LONGUE EFFET USÉ EN MAILLE NOIRE, BRODÉE DE PERLES NOIRES UPCYCLÉES
PORTEFEUILLE EFFET CARTE À NUMÉRO PEINT À LA MAIN EN CUIR DE VEAU NOIR OU CUIR DE CHÈVRE BLANC
BOTTE RAVEN EN COLLANTS NOIRS
Parlant de cette impression de perte de « potentiel de vie » du vêtement, Yus poursuit : « Je pense que c’est comme acheter un produit neuf qui a déjà atteint le niveau de maturité que je veux obtenir en le portant. Il est mature. » Visuellement parlant, bien sûr. Romain intervient : « Je suis d’accord ! C’est une question de gain de temps. Avant, il n’y avait que des jeans bruts, puis ils ont décidé de proposer des jeans “usés”. »
La destruction volontaire d’un vêtement – de luxe ou non – est une façon d’ouvrir des possibilités créatives. Elle « simule » le passage du temps, comme si notre T-shirt déchiré avait vécu plusieurs vies avant d’arriver sur nos épaules. Mais en tant que pièce neuve, ces vies multiples ne sont qu’un mensonge de son apparence.
L’esthétique destroy s’oppose à l’idée générale de beauté (qui confond souvent attractivité avec symétrie et propreté) et aux conventions du luxe. Elle joue avec l’apparence du porteur et l’image qu’il projette. Mais même si cette tendance repose sur un air de négligence, elle doit être pratiquée en « trouvant le juste équilibre », comme l’explique Yus. Fisher acquiesce et se met à critiquer certaines marques qui exagèrent l’effet de destruction. Paradoxe Paris, par exemple, « est allé dans un extrême dégueulasse ». Les pièces destroy de Vêtements « sont mortes » et les Paris Destroyed Sneakers de Balenciaga « ne sont que de la communication ». « Elles sont faites pour choquer », affirme-t-il. Aimé confirme, ajoutant que les gens ne les achètent que pour « show off ».
Avoir l’air de ne pas se soucier de son apparence semble être une science de précision. Et plus qu’un équilibre visuel, il faut aussi des techniques de destruction que l’on puisse raconter. « Quand tu racontes l’histoire de ton produit, les gens se disent “ah ouais, c’est cool” », ajoute Fisher.
Acheter des pièces de luxe volontairement détruites permet toujours de faire partie de la communauté exclusive capable de s’offrir un vêtement de luxe. Cependant, en choisissant ces pièces qui ne correspondent pas aux canons esthétiques traditionnels du luxe, on « se différencie et se distance », comme l’explique Yus, de toutes les valeurs associées au client de luxe typique, « les p***** de bobos », selon Fisher.
La mode destroy de luxe est donc à la fois un signe de richesse (par l’étiquette prestigieuse de la marque) et un signe d’insouciance : dépenser autant d’argent pour quelque chose de moins protecteur, moins confortable et/ou moins durable. Payer si cher pour paraître misérable devient un privilège. Le privilège de faire de la saleté et du besoin un choix plutôt qu’un fardeau. Le privilège de se moquer que son image et son statut social soient remis en question (tant que nos pairs valident cette esthétique). Le privilège de tromper, de voyager entre les classes sociales, de jouer avec les signaux établis. Tout cela rappelle la théorie du trickle-round de Belleza et Berger².
« Si on ne te dit pas que t’as l’air d’un clochard, c’est que t’es mal habillé. Il faut qu’on te le dise pour que tu répondes : “Frère, c’est du Balenciaga !” » s’exclame Fisher. Et il évoqua Beenslackin, l’influenceur mode édenté qui puise son inspiration dans les sans-abris new-yorkais³.
« C’est facile d’être attirant. Mais il y a eu un moment où je me suis dit, non. Il faut aller encore plus loin. Continuer à devenir plus moche », Beenslackin pour le New York Times⁴.
« Ce type balance de la cendre sur ses Balenciaga [sneakers], mec ! » s’exclame Fisher. « C’est un peu comme Gainsbourg brûlant un billet de 500 francs », ajoute-t-il.
La serveuse nous interrompt pour débarrasser les assiettes. La rue Daguerre n’est plus éclairée que par les lumières des restaurants et des glaciers. La nuit est tombée.
En me mettant dans les chaussures (usées) de mon grand-père dubitatif, je voulais savoir si mes amis porteraient un vêtement usé “naturellement”. Yus possède quelques T-shirts délavés qu’il aime encore porter. Il ne les jette pas, au grand désespoir de sa mère. Romain demanda s’il garderait un T-shirt troué “naturellement”. Pour Yus, ce qui compte, c’est l’emplacement du trou et le rendu final.
« Pour revenir aux jeans : ils avaient un trou naturel. Je l’ai accentué volontairement pour pouvoir les porter. Sinon, je ne les aurais pas portés s’il n’y avait eu qu’un petit trou », répond-t-il à Romain. Cela revient à l’idée d’une harmonie nécessaire dans le chaos du design.
À l’inverse, Romain estime qu’il ne peut les porter « que si l’intention initiale était de les porter comme ça ». Il fait confiance au processus créatif tant que le design « correspond à [son] style et à celui des gens de [son] groupe. Et que ça communique quelque chose en accord avec [son] mode de vie ». Cela signifie-t-il que si nous – ou le groupe auquel nous voulons appartenir – aimons une marque particulière, nous serions plus enclins à faire confiance au processus créatif ? quelqu’il soit ?
On a beaucoup parlé de la communauté que cette tendance crée. Je voulais en savoir plus. « Les fringues destroy aujourd’hui signifient que je suis un fashion, et quand ce ne sera plus à la mode, les fashion trouveront autre chose », remarque Fisher. Qui définit ce qui est à la mode ? « Ceux qui se considèrent comme trendsetters », répond Yus. Est-ce une position auto-proclamée ? Oui, selon lui. Pour Aimé, la « mode » dont parlait Fisher est une communauté entière avec des goûts précis en musique, art, design d’intérieur, etc. Ils renforcent leur groupe et se démarquent en acceptant et rejetant sans cesse des choses, des goûts, des personnes.
« Le problème, c’est que cette tendance va être récupérée par la fast fashion. Ça va écœurer tout le monde », râle Fisher. Ignorant la serveuse qui lui tend le terminal de paiement, il continue : « Ils ont tué une paire comme ça : la McQueen était une sneaker de niche, portée par des vrais passionnés de mode. Et du jour au lendemain, les mecs de télé-réalité ont commencé à les porter. Ça a tué la pièce ! »
Cela nous ramène à la théorie d’imitation/distinction de Simmel⁵. Lorsqu’une communauté voit ses signes repris par des intrus, elle cherche autre chose pour se distinguer. Et inversement : se dissocier d’une communauté existante et de ses valeurs, goûts et images en évitant de copier sa mode.
« Disons que demain Jacquemus sort une belle pièce, et qu’il y a l’étiquette Jacquemus dessus, je ne l’achète pas ! Je ne veux pas être associé aux gens qui portent du Jacquemus », conclut Fisher.
Plus que le design de la pièce et l’équilibre esthétique entre « pas assez troué » et « trop détruit », la culture de la marque est essentielle. « La marque doit être élitiste et niche », déclare Romain. Quels sont les célébrités qui la portent ? Quelles sont ses valeurs ? Quelle est sa position dans la société ? Tout cela influence l’envie de porter une marque.
Trois jours plus tard, je quitte Paris avec une esquisse de réponse. Du punk rebelle au grunge outsider, des concepts japonais de Wabi et Sabi à la mode déconstruite de Margiela, les vêtements déchirés et usés ont véhiculé de nombreux messages au fil du temps. Même si beaucoup disent : « Je pourrais faire ça moi-même », le chaos maîtrisé de la mode destroy est un travail minutieux. Acheter un vêtement de luxe avec cette esthétique non conventionnelle, c’est partager ses valeurs d’outsider, de rebelle, de je-m’en-foutiste. Mais cela offre aussi tout ce que le luxe apporte : qualité potentielle, culture de marque reconnue et statutaire, accès à une communauté plus ou moins fermée. Ainsi, en plus du design, la marque et sa symbolique compte tout autant dans la décision d’achat.
Contrairement à la garde-robe de fripes de Cobain, acheter une pièce de luxe volontairement détruite n’est pas un rejet de la mode, mais une acceptation de tout le système mode et un jeu avec ses règles.
Les codes du luxe, l’esthétique destroy et les valeurs de la marque s’assemblent pour transmettre un message complexe et ambigu sur celui qui les porte. Avant tout, c’est une déclaration sur notre société centrée sur l’image. Tout devient outil visuel pour communiquer des idées sur soi : valeurs personnelles, capitaux financier et intellectuel, statut social, etc. Mais comme toute communication, le message dépend de la compréhension du récepteur. Mon jean troué envoie aussi un message à mon grand-père. Ce qu’il en comprend n’est pas forcément ce que je voulais dire. Mais est-ce à sa communauté que je veux m’associer (visuellement) ? À voir.
Sources
- Frédéric Monneyron, Sociologie de la Mode, 2006 ↩︎
- Balenciaga. (2024, 27 juin). Balenciaga 53rd Couture Collection, Look 21 [Vidéo]. YouTube. ↩︎
- Bellezza, S., & Berger, J. (2020). Trickle-round signals: When low status is mixed with high. Journal of Consumer Research, 47(1), 100-127. OP-JCRE190050 100..127 (upenn.edu) ↩︎
- @beenslackin. (2024, 31 mai). Instagram.Seen on August 26, 2024 ↩︎
- Caramanica, J., & Small, K. R. (2023, 17 octobre). NYC Street Style With Beenslackin : Rick Owens, Margiela and More. The New York Times. ↩︎
- Simmel, G. (1993). La Tragédie de la Culture : La Mode (S. Corneille & P. Ivernel, Trad.). Rivages. Cité dans Sociologie de la Mode de F.Monneyron, p.31 ↩︎
camille marie pouget 
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